O mais surpreendente no novo filme da Disney, A Princesa e o Sapo, não é o fato dele ser 2D, depois de tantas produções feitas em computação gráfica, nem mesmo por sua protagonista ser uma negra. A maior surpresa da animação infantil é ela ter sido feita para crianças. Depois de anos, é a primeira vez que um grande estúdio se lembra quem é seu público alvo. Hoje, preocupados mais com bilheteria, os roteiristas se ocupam em encher o filme de piadas para adultos, restando para os pequenos apenas personagens bonitinhos com bordões fáceis.

Depois de obras como Wall-E e Up, da parceria com a Pixar, a Disney optou por voltar aos seus tempos áureos em que retratava o mundo encantado das princesas – bem longe, aliás, da desconstrução que faz em Encantada. O nobre universo, assim, volta junto com os traços feitos a mão, que tinham sido deixados para trás desde Nem Que a Vaca Tussa, de 2004, e com a pretensa inocência que tinham os filmes infantis antes de descobrirem que jovens casais também poderiam se divertir – e consumir – esse tipo de obra.

Apesar do título, A Princesa e o Sapo não conta a história de uma princesa. Tiana, protagonista do longa está mais para uma vassala. Moradora da periferia de Nova Orleans, a heroína tem como ambição montar um restaurante, como era o sonho de seu esforçado pai. Para isso, ela dedica quase 24 horas de seus dias para o trabalho, não sobrando tempo para a diversão. O contrário é o príncipe Naveen, que tem uma vida boêmia sem responsabilidades, a ponto de seus pais tirarem tudo o que ele tem. Quando o falido nobre vai à Nova Orleans, conhece um feiticeiro vodu que o transforma em sapo. Pensando que Tiana é uma princesa, o malandro a convence a beijá-lo, transformando-a também.

Como não poderia deixar de ser, como se trata de um filme Disney, a moral é o ponto forte da obra. Durante boa parte da trama, os dois anfíbios estão em uma jornada para voltarem a ser humanos. Neste caminho, vão percebendo que para isso precisam se preocupar mais com aquilo que deixaram para trás durante suas vidas: a diversão, no caso dela, e a responsabilidade para ele. A história ainda resgata algo de Mágico de Oz, quando os personagens cruzam com um crocodilo músico, que sonha se tornar humano para não assustar ninguém ao tocar, e um vagalume sonhador, apaixonado por uma brilhante estrela.

Longe de ser um sinal de fracasso de bilheteria, a ousadia da Disney de honrar suas origens pode pegar de surpresa algumas pessoas já desacostumadas aos filmes infantis para crianças. Independente das polêmicas já causadas antes mesmo de seu lançamento – e há muitas passagens que ainda podem ser questionadas pelo caráter racista –, o longa ainda tem qualidades para agradar e emocionar o público. Mesmo que para isso, não seja preciso apelar para aquelas piadas em que adultos riem muito mais do que as próprias crianças.

A Princesa e o Sapo (The Princess and the Frog, 2009, EUA)
Direção: Ron Clements e John Musker.
Roteiro: Ron Clements
97 Minutos

Verdade Alternativa Podcast #3

Estreias de 4 de Dezembro de 2009:

- Abraços Partidos (Abrazos Rotos, Espanha, 2009), de Pedro Almodóvar;
- Atividade Paranormal (Paranormal Activity, EUA, 2007), de Oren Peli;
- É Proibido Fumar (Brasil, 2009), de Anna Muylaert;
- O Fantástico Sr. Raposo (Fantastic Mr. Fox, EUA, 2009), Wes Anderson.

Música de fundo:

- Werewolf – Cat Power (Trilha sonora de Abraços Partidos)

Sete anos depois de Durval Discos, a cineasta paulistana Anna Muylaert volta às telas com seu novo filme, É Proibido Fumar, estrelado por Glória Pires e Paulo Miklos. Com sua narrativa simples, por vezes pueril, e mais uma vez cercada pelo inusitado, a diretora consegue conquistar o público com a história de amor entre dois vizinhos. O filme chega às telas poucos dias após o Festival de Brasília, no qual recebeu um total de oito prêmios, sendo o grande vencedor do ano. O prêmio, no entanto, pode ser preocupante. A obra vale a pena, mas ser escolhida como a melhor do ano representa de duas uma: ou o festival está com problemas, ou a produção audiovisual do país que está.

No longa, Glória Pires vive Baby, uma solitária professora de violão que não tem grandes emoções em sua vida, a não ser brigar com suas irmãs pela herança de uma tia falecida. Romântica e sonhadora, ela percebe a esperança de um novo amor quando o músico Max, interpretado por Miklos, se muda para o apartamento ao lado. A possibilidade vira um tormento quando a alucinada fumante descobre que o novo namorado não suporta cigarro, e pede que ela pare de fumar. Disposta a tudo pelo amor de sua vida, que acaba de conhecer, ela decide parar. Aos poucos, conhecendo mais o vizinho, ela passa a questionar se vale a pena abrir mão de seu companheiro.

Ao contrário do que pode parecer, principalmente depois da lei idealizada pelo governador de São Paulo, José Serra, que proíbe o fumo em locais fechados, o filme não toma partido contra o temido cigarro. Na história, o fato apenas serve como pretexto para a mudança na personalidade de Baby, que se torna muito mais ansiosa e neurótica após a tentativa. Bem amarrada, a história vai acompanhando as alegrias e tristezas enfrentadas pela solitária Baby em busca de um relacionamento estável. Pontuando, a diretora aproveita para colocar diversas aparições especiais, que vai desde sua família, como o ex-sogro, Antonio Abujamra, o ex-marido André Abujamra, e o filho José, até estreantes nas telas, como a cantora Pitty.

No geral, o longa se sai bem, mas deixa a desejar. Quando surgem os letreiros finais, em vez de vir uma sensação de realização – ou de quero mais – o que surge no espectador é um sentimento de que algo ainda está faltando. As emoções em É Proibido Fumar são muitas, mas não chegam a transpassar a tela para atingir o público. O que fica é apenas aquele sentimento bom, de contentamento, mas que passa logo que as luzes acendem. Apesar de muitas semelhanças com Durval Discos, o filme perde por ficar aquém dele, fazendo com que a expectativa atrapalhe ainda mais o resultado final.

Por melhor que seja a trilha sonora, mesmo que Glória Pires e Paulo Miklos tenham se encaixado bem em seus personagens, por mais que as participações especiais deem uma levantada no tom do filme ou que as metáforas deem um encanto especial para a história, apesar de tantas qualidades, nada justifica no filme que ele seja o grande vencedor de um festival nacional tão tradicional, levando sete prêmios. Felizmente o país produz obras bem melhores que esta, e cada vem mais vemos estes filmes chegando nas telas e, aos poucos, conquistando o público. Merecendo ou não seus sete troféus Candango, É Proibido Fumar é mais um que merece a apreciação pública.

É Proibido Fumar (2009, Brasil)
Direção: Anna Muylaert
Roteiro: Anna Muylaert
Elenco: Glória Pires, Paulo Miklos, Marisa Orth
90 Minutos

Verdade Alternativa Podcast #2

Estreias de 27 de Novembro de 2009:

- A Trilha (A Perfect Getaway, EUA, 2009), de David Twohy;
- Cidadão Boilesen (Brasil, 2009), de Chaim Litewski;
- Do Começo ao Fim (Brasil, 2009), de Aluízio Abranches;
- Eliezer Batista: O Engenheiro do Brasil (Brasil, 2009), Victor Lopes;
- Entre a Luz e a Sombra (Brasil, 2009), de Luciana Burlamaqui;
- Julie & Julia (EUA, 2009), de Nora Ephron;
- Planeta 51 (Planet 51, Espanha/Reino Unido, 2009), de Jorge Blanco;
- Tokyo! (França/Japão/Coreia do Sul, 2008), de Michel Gondry, Leos Carax e Bong Joon-ho.

Música de fundo:

- 8º Anjo – 509-E (Entre a Luz e a Sombra)

Quando foi lançado no Brasil o filme Coco Antes de Chanel, biografia de uma das mais influentes estilistas do mundo, muito se falou sobre a omissão de seu envolvimento com o nazismo. Da mesma forma, se questionou o fato de, após o fim da guerra, alemães, franceses e gente de todo o mundo se tornasse, de repente, opositor ao sistema. Assim como na Europa, no Brasil aconteceu caso parecido. No início da década de 60, muitos empresários e instituições pediam o Golpe de Estado ao governo João Goulart e, mesmo durante a ditadura militar, foram financiadores dos golpistas. Com o retorno da democracia, no entanto, muitos deles comemoraram com o outro lado, sem sujar seus nomes, ou de suas empresas com a ligação anterior.

Mesmo mais de duas décadas após o fim do regime, apenas os militares são responsabilizados por atos contra a liberdade. Um passo para abrir a discussão é o lançamento do documentário de Chaim Litewski, Cidadão Boilesen. O filme conta a controversa ligação entre o dinamarquês Henning Boilesen, presidente da Ultragaz, e os militares da Operação Bandeirante, responsável pelo temido DOI-CODI. Membro ativo da Federação das Indústrias do Estado de São Paulo, a FIESP, o empresário não apenas financiava a tortura, como convencia outros industriários a fazer o mesmo. Além disso, Boilesen tinha a mórbida mania de estar presente quando revolucionários eram torturados, o que resultou em seu assassinato, em 1971.

Mais do que fazer um filme que demonize o personagem, ou mesmo apenas uma denúncia aos civis que financiaram a Oban, Chaim mergulhou durante dezesseis anos em um minucioso trabalho de pesquisa, que deu voz a todos os lados da história. Tomando o distanciamento necessário da história, o cineasta recolheu depoimentos desde funcionários da escola em que o personagem estudou na Europa ao filho de Boilesen, do coronel Brilhante Ustra, comandante do DOI-CODI, ao líder da ação que resultou na morte do empresário, Carlos Eugênio da Paz, sempre dando espaço para cada lado expor suas verdades, e quase sempre ouvindo o mesmo discurso, de que não foram apenas os militares os responsáveis pelo terror da ditadura, mas muitos civis.

Abusando de recursos audiovisuais, como músicas e filmes que retratam a época, e com a ajuda do produtor e montador Pedro Asbeg, Chaim criou um filme leve, didático e bastante emocionante, com uma edição lúdica e ágil que prende a atenção do espectador do início ao fim. A estrutura narrativa do filme já fascina o espectador. Aliando à riqueza de detalhes conquistada pelos anos de pesquisa, o filme alcança lugar de destaque entre os melhores documentários brasileiros lançados nos últimos anos, o que lhe rendeu, inclusive, o prêmio de melhor filme na edição de 2009 do festival É Tudo Verdade.

Seja pela estrutura, pelo apurado trabalho de pesquisa, ou pela força da história, o filme já merece ser visto. Porém, mais do que uma obra cinematográfica, Cidadão Boilesen é o instrumento para a mudança no pensamento do brasileiro. Em entrevistas, Chaim deixa clara a sua intenção de usar o filme para questionar tantos Boilesens que ainda estão vivos hoje, e que posam de defensores da democracia e da liberdade. Mais do que investigar o lado negro do empresário de origem dinamarquesa, o cineasta quer, com este polêmico filme e com os debates que ele pode suscitar, expor o lado negro da sociedade civil brasileira. Porém, este já não é um trabalho tão simples, já que a mesma elite que lutou às escondidas para apoiar a ditadura, ainda continua na surdina impedindo que este envolvimento venha a tona.

Cidadão Boilesen (2009, Brasil)
Direção:Chaim Litewski
Roteiro: Chaim Litewski
93 Minutos

Verdade Alternativa Podcast #1

Aqui está a novidade para o feriado, uma versão teste de um podcast que já há algum tempo pensava em fazer. O trabalho ainda está bem cru e não sei bem como (e se) ele vai se desenvolver no futuro. A ideia seria de algo mais completo, mas aos poucos vou estudando isto. De qualquer forma, espero que apreciem o esforço e me retornem com dicas, sugestões, críticas, etc, no meu email ravisantana@gmail.com.

Obrigado!

Muito foi falado sobre a sensação sueca Deixa Ela Entrar, dirigido por Tomas Alfredson a partir do livro de John Ajvide Lindqvist. Tido como um dos melhores filmes do ano, e um dos melhores filmes sobre vampiro de todos os tempos, o terror sueco choca por seu realismo, apesar do tema. Não se trata, então, de um filme de vampiros. Deixa Ela Entrar vai além e consegue ser um dos melhores retratos de um fenômeno que está se tornando morbidamente comum hoje em dia, o nascimento de um sociopata.

Frágil e inseguro, o jovem Oskar, de 12 anos, causa empatia imediata ao espectador por seu drama. Filho de pais separados, sem encontrar seu lugar em sua casa ou na escola, o menino sente-se sempre deslocado, o que facilita que seus colegas se aproveitem da situação. Alvo constante de bullying, Oskar está constantemente sozinho, com seus pensamentos, e só consegue se encontrar com a presença de sua nova vizinha, Eli. Saindo raramente de casa, também sem amigos, a menina se torna aquele complemento que faltava na vida de Oskar, apesar de ela ter algumas idiossincrasias que logo mostram que a garota não é tão frágil como ele.

Eli não tem 12 anos como ele, mas é uma eterna criança. Uma vampira que vive de cidade em cidade tentando se esconder enquanto se alimenta de vitimas de assassinatos cometidos por seu acompanhante, um suposto pai que é tratado quase como um escravo por ela. A garota logo percebe o sofrimento de Oskar e tenta criar nele uma coragem de colocar em ação seus pensamentos. Apesar de frágil, as constantes humilhações que o garoto sofre já surtem efeito em sua mente, que é cada vez mais sórdida. Aos poucos, a improvável amizade entre os dois faz com que ele comece a tomar coragem para mostrar quem é verdadeiramente.

O filme foi bastante comparado a outros longas de vampiros, sendo inclusive eleito o melhor filme do gênero desde Nosferatu, de 1922. Há outros gêneros no entanto, que Deixa Ela Entrar se encaixaria, conseguindo um resultado ainda melhor, como o de filmes que procuram explicar os constantes massacres em instituições, ou mesmo o de obras que tentam mostrar a origem de um assassino. Mesmo o tão comentado – e já quase esquecido – Elefante, de Gus Van Sant, é superado de forma brilhante pelo longa sueco.

Do meio para o fim do filme, um dialogo entre Eli e seu suposto pai deixam a pista para o espectador sobre o que está acontecendo de verdade ali. Mesmo não havendo qualquer fantasia desde o início da projeção – fora o detalhe de que vampiros, aparentemente, não existem –, aquele pequeno diálogo mostra que a realidade é ainda mais dura do que vimos até então. Não importa que sejam apenas duas crianças tentando encontrar seu lugar e sentindo o que presenciam em um mundo cruel. E até mesmo estas belas e frágeis crianças também fazem parte desta sórdida sociedade.

Deixa Ela Entrar (Låt den rätte komma in, 2008, Suécia)
Direção: Tomas Alfredson
Roteiro: John Ajvide Lindqvist
Elenco: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar
115 Minutos

Há diferentes formas de um filme se tornar polêmico. Dentre as mais clássicas, há duas divisões bem claras para aqueles mais acostumados em assistir todo tipo de gênero. Há as obras que defendem uma causa que ainda é considerada tabu na sociedade. Ao fazer isto, acaba atraindo acaloradas discussões e a atenção da mídia. E existem, também, aqueles filmes que preferem o caminho inverso. Com a intenção de conquistar grandes bilheterias, fazer fama rápida e ter a atenção da mídia, escolhem temas polêmicos. Este parece ser o caso de A Órfã, do diretor espanhol Jaume Collet-Serra, de Casa de Cera.

No enredo, o jovem casal Kate e John acaba de sofrer uma grande perda quando ela aborta. Apesar de já terem dois filhos, os dois acreditam que aquele amor que dariam ao terceiro pode ser usado para alguma outra criança, assim decidem adotar. A escolhida é Esther, uma talentosa menina de nove anos, que aos poucos demonstra não ser exatamente quem todos imaginam. Dissimulada e maquiavélica, a garota consegue manipular todos à sua volta, jogando um contra o outro, sem que ninguém perceba que é ela quem está por trás das brigas. Quando não consegue o que quer, ela também não tem pudores em matar seus adversários.

Assim que o longa foi lançado nos EUA, organizações pró-adoção se manifestara, pedindo o boicote da obra. Todos alegavam que aquele filme apenas desestimularia os futuros pais a adotarem crianças, ainda mais as mais velhas, que tem mais dificuldade em conseguir uma família. Como toda manifestação contrária, esta apenas serviu para que o filme se tornasse manchete em todo o mundo, conquistando uma publicidade gratuita enorme, que terá como resultado exatamente o oposto do que as organizações desejam. A obra será ainda mais vista.

Assim como tantos outros casos parecidos, um filme que não tinha nenhum potencial passa a ser um grande produto por conta de manifestações contrárias. Não há muito o que se salve em A Órfã. Como filme de terror, é um desastre. A maior parte dos sustos que a plateia possa tomar, provém apenas de pegadinhas ao espectador, seja com músicas tensas, som mais alto do que o normal, ou clichês, como em uma cena logo no início do filme. Kate está sozinha no banheiro, abre uma porta espelhada, quando fecha novamente percebe que tem alguém atrás de si: seu próprio marido.

Até há questões interessantes no roteiro. Durante todo o filme se especula sobre um passado sombrio de Kate. Além disso, a filha do casal, Maxine, é surda e não se deixa claro o porquê. No entanto, não adianta o espectador aguardas explicações, elas não vêem. Talvez por preguiça do roteirista, o filme prefere ficar apenas no superficial, com uma história fraca, de mau gosto e boba. Mas, afinal, para que a preocupação com um bom roteiro, se as organizações pró-adoção já vão dar todo o público que o filme quer ter?

A Órfã (Orphan, 2009, EUA)
Direção: Jaume Collet-Serra
Roteiro: David Johnson
Elenco: Isabelle Fuhrman, Vera Farmiga, Peter Sarsgaard
123 Minutos

Apenas o título do filme A Teta Assustada já causa um misto de repulsa e curiosidade na maioria dos espectadores. Apesar de adequado, o nome não consegue fazer prever em quem irá assistir à obra vencedora do Urso de Ouro em Berlim toda a agonia e incômodo causados pela história de Fausta, uma jovem peruana descendente de índios Quechua. No Brasil, o longa de Claudia Llosa foi apresentado, a princípio, como O Leite da Amargura. Em uma atitude rara, a Paris Filmes optou por manter a tradução literal, o que pode afastar alguns espectadores desavisados, mas só faz bem à obra.

O filme fala sobre o medo a partir do drama da jovem Fausta, e os conflitos que ela passa entre a vida em uma grande cidade e a manutenção de suas tradições. Em sua família, apenas ela e a mãe têm o devido respeito pela cultura de seu povo. Por exemplo, entre elas, ou em momentos de maior intimidade, preferem um falar cantado, no dialeto de seus antepassados, assim como estes faziam. Com a morte da mãe, porém, o tio da garota deixa claro que o modo de viver dela pode atrapalhar seus negócios. A moça, então, tem poucos dias para conseguir transportar o corpo para o local onde a mãe deve ser enterrada, ou o enterro não honrará o resto da vida da mulher.

Não bastasse, Fausta sofre de uma doença psicológica chamada de Teta Assustada. Quando sua mãe estava grávida, foi estuprada por guerrilheiros durante um conturbado período no Peru. O ato transmitiu ao feto um medo imensurável, que impede a jovem de ter uma vida normal. Em uma atitude desesperada, ela chega a manter uma batata dentro de sua vagina, imaginando ser a única forma que pode evitar sofrer a mesma violência que sua mãe. Apesar da repulsa, ou estranhamento, que pode se ter, não passa de um filme de amor, um amor pela vida que não se consegue ter.

Mais do que falar do drama de uma só mulher, Claudia Llosa revela o medo de seu país, um sentimento que pode ser ampliado para grande parte da América Latina. Não é apenas Fausta, mas toda uma geração de jovens apáticos, em diversos países, que herdam apenas um enorme e absurdo medo, mesmo que as causas deste ocorreram antes mesmo de seu nascimento. Além deste temor, este povo é diariamente provado a desistir de suas raízes, adotando um modo de vida que vai contra tudo o que seus antepassados acreditavam.

Em determinado episódio do longa, quando Fausta deixa escapar uma canção para mantê-la mais calma, sua patroa aproveita a música para tirar proveito próprio. A cultura é, sim, interessante, mas este mesmo que se interessa por ela, tenta vender uma imagem de que o importante é abandonar suas raízes e seguir o trilho mais fácil, mais comum. O brasileiro, apesar da proximidade física do Peru, pode se ver distante das questões tratadas no longa de Llosa. Não que não o diga respeito, mas por desprezar toda esta cultura. Mesmo abrindo mão disto, no entanto, a doença continua. Muitos ainda sofrem pela Teta Assustada, e a única cura é enfrentar o problema.

A Teta Assustada (La Teta Asustada, 2009, Peru)
Direção: Claudia Llosa
Roteiro: Claudia Llosa
Elenco: Magaly Solier, Susi Sánchez, Efraín Solís
95 Minutos

Não há mais inocência no mundo. Depois de 11 de setembro, da guerra de Bush contra o terror e da crise mundial financeira que assola grande parte dos países nos últimos meses, o Planeta Terra está cada vez mais cru e sórdido. Nos cinemas é possível ver bem isto. Mesmo a Disney, que alimentou ilusões em todo o globo com seus contos de fadas, veio com Encantada, a história da princesa que literalmente cai na real e percebe que a vida não é tão perfeita assim. Depois do cinema infantil, só restava a inocência acabar nos filmes de terror. E é justamente o que acontece em Arraste-me Para o Inferno, a volta de Sam Raimi ao gênero depois de atingir o sucesso com Homem Aranha.

Com uma estética anos 80, remetendo ao seu sucesso Evil Dead, o diretor conta a história de Christine Brown, uma jovem recém-chegada do interior que almeja uma carreira de sucesso no sistema financeiro dos EUA. Trabalhando no setor de empréstimos de um banco, prestes a se tornar assistente da gerência, ela recebe a visita de uma velha senhora que lhe pede mais prazo para o pagamento da hipoteca. Para não perder a chance de conseguir a promoção, ela nega o pedido. A mulher, no entanto, é uma cigana, que amaldiçoa Christine. Agora, sua alma está na mão de um espírito do mal, que aterrorizará sua vida e a levará ao inferno em três dias.

Pelo menos isto é o que se percebe à primeira vista. Mas as coisas não são tão simples assim. Existem muitas nuances por trás deste novo filme de Raimi, coisas que passariam despercebidas facilmente, mesmo numa época como esta, mas que um olhar mais atento revela. Já é fácil perceber que existe algo bem diferente na obra. Ao contrário da maioria dos longas do gênero, principalmente estes dos anos 80, a protagonista não é uma moça boazinha, incapaz de qualquer tipo de maldade. Christine poderia ter sido assim em um passado remoto, mas a vida lhe ensinou a deixar de sentimentalismos e pensar no lado prático das coisas.

Uma protagonista que comete crueldades, como assassinar seu próprio gato de estimação, talvez mereça ser arrastada para o inferno através desta maldição que caiu sobre ela. Mas pode ser que não seja bem isso que o diretor quis dizer quando deu este título à obra. Christine era uma boa moça do interior, mas ao chegar à cidade grande foi fuzilada pelo “american way of life”. Gordinha, ela precisou emagrecer e se adaptar aos padrões de beleza vigentes. Na vida profissional, precisa ter sangue frio para lidar com a vida das pessoas, sem se preocupar com o caos que sua ação pode desencadear para famílias simples. No amor, tem um relacionamento com um jovem de boa índole, mas precisa provar aos pais dele que é a mulher ideal, aquela que vai fazê-lo crescer pessoal e profissionalmente, e não uma moça qualquer da fazenda.

Não é por culpa da velha cigana que Christine se torna uma pessoa vil, ela já era antes da mulher aparecer em sua vida. Esta, apenas foi o gatilho que definiu o futuro da jovem a curto prazo: ser arrastada para o inferno. A executiva ainda resiste em cometer estes atos cruéis, a princípio, mas a pressão que sofre no banco, na família de seu namorado, na sociedade, dá forças para que ela perca seu coração. Não existe uma maldição cigana nesta história. Os demônios que a garota enfrenta, são bem mais reais do que fantasmas de filmes de terror. É o modo de vida das capitais, o sistema financeiro norte-americano, que está arrastando a todos, cada vez mais, para o inferno.

Arraste-me Para o Inferno (Drag Me to Hell, 2009, EUA)
Direção: Sam Raimi
Roteiro: Sam Raimi e Ivan Raimi
Elenco: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver
99 Minutos