Verdade Alternativa Podcast #2

Estreias de 27 de Novembro de 2009:

- A Trilha (A Perfect Getaway, EUA, 2009), de David Twohy;
- Cidadão Boilesen (Brasil, 2009), de Chaim Litewski;
- Do Começo ao Fim (Brasil, 2009), de Aluízio Abranches;
- Eliezer Batista: O Engenheiro do Brasil (Brasil, 2009), Victor Lopes;
- Entre a Luz e a Sombra (Brasil, 2009), de Luciana Burlamaqui;
- Julie & Julia (EUA, 2009), de Nora Ephron;
- Planeta 51 (Planet 51, Espanha/Reino Unido, 2009), de Jorge Blanco;
- Tokyo! (França/Japão/Coreia do Sul, 2008), de Michel Gondry, Leos Carax e Bong Joon-ho.

Música de fundo:

- 8º Anjo – 509-E (Entre a Luz e a Sombra)

Quando foi lançado no Brasil o filme Coco Antes de Chanel, biografia de uma das mais influentes estilistas do mundo, muito se falou sobre a omissão de seu envolvimento com o nazismo. Da mesma forma, se questionou o fato de, após o fim da guerra, alemães, franceses e gente de todo o mundo se tornasse, de repente, opositor ao sistema. Assim como na Europa, no Brasil aconteceu caso parecido. No início da década de 60, muitos empresários e instituições pediam o Golpe de Estado ao governo João Goulart e, mesmo durante a ditadura militar, foram financiadores dos golpistas. Com o retorno da democracia, no entanto, muitos deles comemoraram com o outro lado, sem sujar seus nomes, ou de suas empresas com a ligação anterior.

Mesmo mais de duas décadas após o fim do regime, apenas os militares são responsabilizados por atos contra a liberdade. Um passo para abrir a discussão é o lançamento do documentário de Chaim Litewski, Cidadão Boilesen. O filme conta a controversa ligação entre o dinamarquês Henning Boilesen, presidente da Ultragaz, e os militares da Operação Bandeirante, responsável pelo temido DOI-CODI. Membro ativo da Federação das Indústrias do Estado de São Paulo, a FIESP, o empresário não apenas financiava a tortura, como convencia outros industriários a fazer o mesmo. Além disso, Boilesen tinha a mórbida mania de estar presente quando revolucionários eram torturados, o que resultou em seu assassinato, em 1971.

Mais do que fazer um filme que demonize o personagem, ou mesmo apenas uma denúncia aos civis que financiaram a Oban, Chaim mergulhou durante dezesseis anos em um minucioso trabalho de pesquisa, que deu voz a todos os lados da história. Tomando o distanciamento necessário da história, o cineasta recolheu depoimentos desde funcionários da escola em que o personagem estudou na Europa ao filho de Boilesen, do coronel Brilhante Ustra, comandante do DOI-CODI, ao líder da ação que resultou na morte do empresário, Carlos Eugênio da Paz, sempre dando espaço para cada lado expor suas verdades, e quase sempre ouvindo o mesmo discurso, de que não foram apenas os militares os responsáveis pelo terror da ditadura, mas muitos civis.

Abusando de recursos audiovisuais, como músicas e filmes que retratam a época, e com a ajuda do produtor e montador Pedro Asbeg, Chaim criou um filme leve, didático e bastante emocionante, com uma edição lúdica e ágil que prende a atenção do espectador do início ao fim. A estrutura narrativa do filme já fascina o espectador. Aliando à riqueza de detalhes conquistada pelos anos de pesquisa, o filme alcança lugar de destaque entre os melhores documentários brasileiros lançados nos últimos anos, o que lhe rendeu, inclusive, o prêmio de melhor filme na edição de 2009 do festival É Tudo Verdade.

Seja pela estrutura, pelo apurado trabalho de pesquisa, ou pela força da história, o filme já merece ser visto. Porém, mais do que uma obra cinematográfica, Cidadão Boilesen é o instrumento para a mudança no pensamento do brasileiro. Em entrevistas, Chaim deixa clara a sua intenção de usar o filme para questionar tantos Boilesens que ainda estão vivos hoje, e que posam de defensores da democracia e da liberdade. Mais do que investigar o lado negro do empresário de origem dinamarquesa, o cineasta quer, com este polêmico filme e com os debates que ele pode suscitar, expor o lado negro da sociedade civil brasileira. Porém, este já não é um trabalho tão simples, já que a mesma elite que lutou às escondidas para apoiar a ditadura, ainda continua na surdina impedindo que este envolvimento venha a tona.

Cidadão Boilesen (2009, Brasil)
Direção:Chaim Litewski
Roteiro: Chaim Litewski
93 Minutos

Verdade Alternativa Podcast #1

Aqui está a novidade para o feriado, uma versão teste de um podcast que já há algum tempo pensava em fazer. O trabalho ainda está bem cru e não sei bem como (e se) ele vai se desenvolver no futuro. A ideia seria de algo mais completo, mas aos poucos vou estudando isto. De qualquer forma, espero que apreciem o esforço e me retornem com dicas, sugestões, críticas, etc, no meu email ravisantana@gmail.com.

Obrigado!

Muito foi falado sobre a sensação sueca Deixa Ela Entrar, dirigido por Tomas Alfredson a partir do livro de John Ajvide Lindqvist. Tido como um dos melhores filmes do ano, e um dos melhores filmes sobre vampiro de todos os tempos, o terror sueco choca por seu realismo, apesar do tema. Não se trata, então, de um filme de vampiros. Deixa Ela Entrar vai além e consegue ser um dos melhores retratos de um fenômeno que está se tornando morbidamente comum hoje em dia, o nascimento de um sociopata.

Frágil e inseguro, o jovem Oskar, de 12 anos, causa empatia imediata ao espectador por seu drama. Filho de pais separados, sem encontrar seu lugar em sua casa ou na escola, o menino sente-se sempre deslocado, o que facilita que seus colegas se aproveitem da situação. Alvo constante de bullying, Oskar está constantemente sozinho, com seus pensamentos, e só consegue se encontrar com a presença de sua nova vizinha, Eli. Saindo raramente de casa, também sem amigos, a menina se torna aquele complemento que faltava na vida de Oskar, apesar de ela ter algumas idiossincrasias que logo mostram que a garota não é tão frágil como ele.

Eli não tem 12 anos como ele, mas é uma eterna criança. Uma vampira que vive de cidade em cidade tentando se esconder enquanto se alimenta de vitimas de assassinatos cometidos por seu acompanhante, um suposto pai que é tratado quase como um escravo por ela. A garota logo percebe o sofrimento de Oskar e tenta criar nele uma coragem de colocar em ação seus pensamentos. Apesar de frágil, as constantes humilhações que o garoto sofre já surtem efeito em sua mente, que é cada vez mais sórdida. Aos poucos, a improvável amizade entre os dois faz com que ele comece a tomar coragem para mostrar quem é verdadeiramente.

O filme foi bastante comparado a outros longas de vampiros, sendo inclusive eleito o melhor filme do gênero desde Nosferatu, de 1922. Há outros gêneros no entanto, que Deixa Ela Entrar se encaixaria, conseguindo um resultado ainda melhor, como o de filmes que procuram explicar os constantes massacres em instituições, ou mesmo o de obras que tentam mostrar a origem de um assassino. Mesmo o tão comentado – e já quase esquecido – Elefante, de Gus Van Sant, é superado de forma brilhante pelo longa sueco.

Do meio para o fim do filme, um dialogo entre Eli e seu suposto pai deixam a pista para o espectador sobre o que está acontecendo de verdade ali. Mesmo não havendo qualquer fantasia desde o início da projeção – fora o detalhe de que vampiros, aparentemente, não existem –, aquele pequeno diálogo mostra que a realidade é ainda mais dura do que vimos até então. Não importa que sejam apenas duas crianças tentando encontrar seu lugar e sentindo o que presenciam em um mundo cruel. E até mesmo estas belas e frágeis crianças também fazem parte desta sórdida sociedade.

Deixa Ela Entrar (Låt den rätte komma in, 2008, Suécia)
Direção: Tomas Alfredson
Roteiro: John Ajvide Lindqvist
Elenco: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar
115 Minutos

Há diferentes formas de um filme se tornar polêmico. Dentre as mais clássicas, há duas divisões bem claras para aqueles mais acostumados em assistir todo tipo de gênero. Há as obras que defendem uma causa que ainda é considerada tabu na sociedade. Ao fazer isto, acaba atraindo acaloradas discussões e a atenção da mídia. E existem, também, aqueles filmes que preferem o caminho inverso. Com a intenção de conquistar grandes bilheterias, fazer fama rápida e ter a atenção da mídia, escolhem temas polêmicos. Este parece ser o caso de A Órfã, do diretor espanhol Jaume Collet-Serra, de Casa de Cera.

No enredo, o jovem casal Kate e John acaba de sofrer uma grande perda quando ela aborta. Apesar de já terem dois filhos, os dois acreditam que aquele amor que dariam ao terceiro pode ser usado para alguma outra criança, assim decidem adotar. A escolhida é Esther, uma talentosa menina de nove anos, que aos poucos demonstra não ser exatamente quem todos imaginam. Dissimulada e maquiavélica, a garota consegue manipular todos à sua volta, jogando um contra o outro, sem que ninguém perceba que é ela quem está por trás das brigas. Quando não consegue o que quer, ela também não tem pudores em matar seus adversários.

Assim que o longa foi lançado nos EUA, organizações pró-adoção se manifestara, pedindo o boicote da obra. Todos alegavam que aquele filme apenas desestimularia os futuros pais a adotarem crianças, ainda mais as mais velhas, que tem mais dificuldade em conseguir uma família. Como toda manifestação contrária, esta apenas serviu para que o filme se tornasse manchete em todo o mundo, conquistando uma publicidade gratuita enorme, que terá como resultado exatamente o oposto do que as organizações desejam. A obra será ainda mais vista.

Assim como tantos outros casos parecidos, um filme que não tinha nenhum potencial passa a ser um grande produto por conta de manifestações contrárias. Não há muito o que se salve em A Órfã. Como filme de terror, é um desastre. A maior parte dos sustos que a plateia possa tomar, provém apenas de pegadinhas ao espectador, seja com músicas tensas, som mais alto do que o normal, ou clichês, como em uma cena logo no início do filme. Kate está sozinha no banheiro, abre uma porta espelhada, quando fecha novamente percebe que tem alguém atrás de si: seu próprio marido.

Até há questões interessantes no roteiro. Durante todo o filme se especula sobre um passado sombrio de Kate. Além disso, a filha do casal, Maxine, é surda e não se deixa claro o porquê. No entanto, não adianta o espectador aguardas explicações, elas não vêem. Talvez por preguiça do roteirista, o filme prefere ficar apenas no superficial, com uma história fraca, de mau gosto e boba. Mas, afinal, para que a preocupação com um bom roteiro, se as organizações pró-adoção já vão dar todo o público que o filme quer ter?

A Órfã (Orphan, 2009, EUA)
Direção: Jaume Collet-Serra
Roteiro: David Johnson
Elenco: Isabelle Fuhrman, Vera Farmiga, Peter Sarsgaard
123 Minutos

Apenas o título do filme A Teta Assustada já causa um misto de repulsa e curiosidade na maioria dos espectadores. Apesar de adequado, o nome não consegue fazer prever em quem irá assistir à obra vencedora do Urso de Ouro em Berlim toda a agonia e incômodo causados pela história de Fausta, uma jovem peruana descendente de índios Quechua. No Brasil, o longa de Claudia Llosa foi apresentado, a princípio, como O Leite da Amargura. Em uma atitude rara, a Paris Filmes optou por manter a tradução literal, o que pode afastar alguns espectadores desavisados, mas só faz bem à obra.

O filme fala sobre o medo a partir do drama da jovem Fausta, e os conflitos que ela passa entre a vida em uma grande cidade e a manutenção de suas tradições. Em sua família, apenas ela e a mãe têm o devido respeito pela cultura de seu povo. Por exemplo, entre elas, ou em momentos de maior intimidade, preferem um falar cantado, no dialeto de seus antepassados, assim como estes faziam. Com a morte da mãe, porém, o tio da garota deixa claro que o modo de viver dela pode atrapalhar seus negócios. A moça, então, tem poucos dias para conseguir transportar o corpo para o local onde a mãe deve ser enterrada, ou o enterro não honrará o resto da vida da mulher.

Não bastasse, Fausta sofre de uma doença psicológica chamada de Teta Assustada. Quando sua mãe estava grávida, foi estuprada por guerrilheiros durante um conturbado período no Peru. O ato transmitiu ao feto um medo imensurável, que impede a jovem de ter uma vida normal. Em uma atitude desesperada, ela chega a manter uma batata dentro de sua vagina, imaginando ser a única forma que pode evitar sofrer a mesma violência que sua mãe. Apesar da repulsa, ou estranhamento, que pode se ter, não passa de um filme de amor, um amor pela vida que não se consegue ter.

Mais do que falar do drama de uma só mulher, Claudia Llosa revela o medo de seu país, um sentimento que pode ser ampliado para grande parte da América Latina. Não é apenas Fausta, mas toda uma geração de jovens apáticos, em diversos países, que herdam apenas um enorme e absurdo medo, mesmo que as causas deste ocorreram antes mesmo de seu nascimento. Além deste temor, este povo é diariamente provado a desistir de suas raízes, adotando um modo de vida que vai contra tudo o que seus antepassados acreditavam.

Em determinado episódio do longa, quando Fausta deixa escapar uma canção para mantê-la mais calma, sua patroa aproveita a música para tirar proveito próprio. A cultura é, sim, interessante, mas este mesmo que se interessa por ela, tenta vender uma imagem de que o importante é abandonar suas raízes e seguir o trilho mais fácil, mais comum. O brasileiro, apesar da proximidade física do Peru, pode se ver distante das questões tratadas no longa de Llosa. Não que não o diga respeito, mas por desprezar toda esta cultura. Mesmo abrindo mão disto, no entanto, a doença continua. Muitos ainda sofrem pela Teta Assustada, e a única cura é enfrentar o problema.

A Teta Assustada (La Teta Asustada, 2009, Peru)
Direção: Claudia Llosa
Roteiro: Claudia Llosa
Elenco: Magaly Solier, Susi Sánchez, Efraín Solís
95 Minutos

Não há mais inocência no mundo. Depois de 11 de setembro, da guerra de Bush contra o terror e da crise mundial financeira que assola grande parte dos países nos últimos meses, o Planeta Terra está cada vez mais cru e sórdido. Nos cinemas é possível ver bem isto. Mesmo a Disney, que alimentou ilusões em todo o globo com seus contos de fadas, veio com Encantada, a história da princesa que literalmente cai na real e percebe que a vida não é tão perfeita assim. Depois do cinema infantil, só restava a inocência acabar nos filmes de terror. E é justamente o que acontece em Arraste-me Para o Inferno, a volta de Sam Raimi ao gênero depois de atingir o sucesso com Homem Aranha.

Com uma estética anos 80, remetendo ao seu sucesso Evil Dead, o diretor conta a história de Christine Brown, uma jovem recém-chegada do interior que almeja uma carreira de sucesso no sistema financeiro dos EUA. Trabalhando no setor de empréstimos de um banco, prestes a se tornar assistente da gerência, ela recebe a visita de uma velha senhora que lhe pede mais prazo para o pagamento da hipoteca. Para não perder a chance de conseguir a promoção, ela nega o pedido. A mulher, no entanto, é uma cigana, que amaldiçoa Christine. Agora, sua alma está na mão de um espírito do mal, que aterrorizará sua vida e a levará ao inferno em três dias.

Pelo menos isto é o que se percebe à primeira vista. Mas as coisas não são tão simples assim. Existem muitas nuances por trás deste novo filme de Raimi, coisas que passariam despercebidas facilmente, mesmo numa época como esta, mas que um olhar mais atento revela. Já é fácil perceber que existe algo bem diferente na obra. Ao contrário da maioria dos longas do gênero, principalmente estes dos anos 80, a protagonista não é uma moça boazinha, incapaz de qualquer tipo de maldade. Christine poderia ter sido assim em um passado remoto, mas a vida lhe ensinou a deixar de sentimentalismos e pensar no lado prático das coisas.

Uma protagonista que comete crueldades, como assassinar seu próprio gato de estimação, talvez mereça ser arrastada para o inferno através desta maldição que caiu sobre ela. Mas pode ser que não seja bem isso que o diretor quis dizer quando deu este título à obra. Christine era uma boa moça do interior, mas ao chegar à cidade grande foi fuzilada pelo “american way of life”. Gordinha, ela precisou emagrecer e se adaptar aos padrões de beleza vigentes. Na vida profissional, precisa ter sangue frio para lidar com a vida das pessoas, sem se preocupar com o caos que sua ação pode desencadear para famílias simples. No amor, tem um relacionamento com um jovem de boa índole, mas precisa provar aos pais dele que é a mulher ideal, aquela que vai fazê-lo crescer pessoal e profissionalmente, e não uma moça qualquer da fazenda.

Não é por culpa da velha cigana que Christine se torna uma pessoa vil, ela já era antes da mulher aparecer em sua vida. Esta, apenas foi o gatilho que definiu o futuro da jovem a curto prazo: ser arrastada para o inferno. A executiva ainda resiste em cometer estes atos cruéis, a princípio, mas a pressão que sofre no banco, na família de seu namorado, na sociedade, dá forças para que ela perca seu coração. Não existe uma maldição cigana nesta história. Os demônios que a garota enfrenta, são bem mais reais do que fantasmas de filmes de terror. É o modo de vida das capitais, o sistema financeiro norte-americano, que está arrastando a todos, cada vez mais, para o inferno.

Arraste-me Para o Inferno (Drag Me to Hell, 2009, EUA)
Direção: Sam Raimi
Roteiro: Sam Raimi e Ivan Raimi
Elenco: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver
99 Minutos

Apenas três cenas já são suficientes para resumir a profundidade das relações dentro da narrativa de À Deriva, novo filme de Heitor Dhália, que vai em um caminho inverso aos seus anteriores, O Cheiro do Ralo e Nina. Semelhantes, a primeira e a última imagem do drama mostram a personagem Filipa, vivida pela atriz iniciante Laura Neiva, flutuando no mar de Angra dos Reis. Na abertura do filme, a câmera fechada e por vezes sufocante de Dhália deixam a impressão de que a garota está só, até sermos surpreendidos pela presença de seu pai, Matias, papel de Vincent Cassel.

Algumas cenas depois, quando o conflito da personagem já está bastante desenvolvido, ele fala do livro que está escrevendo, que não se trata de uma história de separação, mas sim de confiança. Não é sobre a obra do personagem, escritor existencialista francês dos anos 80, que aquele texto remete, mas ao próprio À Deriva. A relação conturbada e de quebra de confiança entre o pai adultero e a filha que descobre a vida a dois, e também entre a mãe alcoólatra e a garota perdida nos conflitos da adolescência, são muito mais densos dentro da narrativa do que simplesmente a possibilidade da separação entre os personagens de Cassel e Debora Bloch.

Na praia, durante as férias, Filipa descobre que seu pai está traindo a mãe com uma vizinha norte-americana. No mesmo momento em que ela se vê em um período em que os hormônios começam a dominar os sentimentos, que passa a iniciar uma descoberta sexual com um garoto da turma de amigos, a menina sofre por não saber qual sua posição em relação à traição do pai, se deve ou não contar à mãe. No decorrer das férias, a família entra em um processo acelerado de degradação, observado de camarote pela filha mais velha.

Junto às descobertas dos prazeres da vida adulta, Filipa leva o pacote completo que a faz perceber que o mundo do faz-de-conta fica restrito ao universo infantil, e que ela não tem mais acesso a isto. As possibilidades do amor e a dureza da realidade aparecem juntos para a menina de apenas catorze anos, que pensava apenas passar mais umas férias tranquilas com seus pais e irmãos na praia. É um momento de descoberta, a separação talvez seja necessária, e sem uma percepção do universo não se pode ter a confiança necessária para seguir em frente, para superar os conflitos com sucesso. Não apenas no caso de Filipa, mas principalmente se tratando do próprio Heitor Dhália.

Depois de dois filmes em que passou para as telas uma história adaptada, fruto da parceria com Lourenço Mutarelli e Marçal Aquino, o cineasta sente a confiança para um trabalho mais pessoal. Nina, personagem do filme homônimo e Lourenço, de O Cheiro do Ralo, tinham uma visão restrita do mundo, estavam presos em seus mundos, como a infância de Filipa, inspirada na adolescência do próprio Heitor. Talvez a separação de Mutarelli e Aquino fossem necessárias para o diretor encarar no cinema a separação de seus próprios pais. Esta psicanálise nas telas, a tomada de consciência de um mundo mais amplo do que o de seus personagens anteriores, trouxeram a confiança para Dhália realizar uma obra que enterra de vez o passado mais infantil. Resta agora, conferir os belos frutos que esta maturidade profissional trará ao nosso cinema.

À Deriva (2009, Brasil)
Direção: Heitor Dhália
Roteiro: Heitor Dhália
Elenco: Laura Neiva, Vincent Cassel, Debora Bloch
97 Minutos.

Para contar a história de um dos mais procurados gangsteres norte-americanos, o diretor Michael Mann, de Ali e Miami Vice, ousou em buscar novos recursos de fotografia, filmando em digital. Mesmo sendo um filme de época, o que poderia criar certo estranhamento do espectador, Inimigos Públicos foi captado por câmeras de alta definição em um projeto inédito. O resultado, porém, ficou bem aquém do que poderia ter sido obtido com uma câmera 35 milimetros.

A história ainda prende a atenção, mesmo em seus 140 minutos de filme. John Dillinger, interpretado por Johnny Depp em um de seus poucos papéis realistas, é um grande ladrão de bancos procurado pela agência de investigação comandada por J. Edgar Hoover, que até então, nos anos 30, ainda não é o famoso FBI. O criminoso, que aprendeu tudo o que sabe em nove anos que passou na prisão, era o terror dos bancos, mas um herói para a população norte-americana na época. Após a crise de 29, o povo culpava as instituições financeiras pelo caos. Ao mesmo tempo, Dillinger se negava a roubar de civis, apenas destes grandes bancos.

Conquistando a simpatia do povo, aliado a sua inteligência, o gangster era praticamente intocável. Nas poucas vezes em que era pego pelos policiais conseguia escapar com certa facilidade, para total desagrado de seu arquiinimigo, o agente Melvin Purvis, papel de Christian Bale. Enquanto foge do encarregado pela inteligência de Chicago, Dillinger conquista o coração da jovem Billie, uma moça simples e rejeitada pela sociedade, vivida por Marion Cotillard. A paixão entre os dois, apesar de humanizar ainda mais o personagem, indica sua maior fraqueza.

Na verdade, não era bem assim que as coisas aconteciam. A vida não é um filme, Dillinger não era tão santo quanto nas telas, e Purvis também não tão bem cotado. As liberdades poéticas acontecem a todo momento. No longa, Melvin é designado a prender Dillinger após matar um grande gangster, Pretty Boy Floyd, que na vida real morreu depois do próprio Dillinger. Este e outros casos que diferem da realidade, acabam não prejudicando o entendimento do personagem e da consolidação do FBI, apesar de esta história ficar como um pano de fundo praticamente distante.

O problema vem mesmo com as imagens que Inimigos Públicos apresenta. Com câmeras digitais, e a liberdade de movimentos que elas proporcionam, o filme chega a assemelhar imagens documentais, ou até mesmo às amadoras dramatizações comuns em programas jornalísticos policiais. O recurso que funciona bem com um filme independente, um drama intimista, ou algo do tipo, se perde quando em uma superprodução hollywoodiana de ação. Não que a escolha da câmera transforme o que seria uma obra-prima em uma bomba, mas muito se perde da qualidade que poderia ter.

Inimigos Públicos (Public Enemies, 2009, EUA)
Direção: Michael Mann
Roteiro: Ronan Bennett e  Michael Mann
Elenco: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard
140 Minutos.

Poucas vezes um filme de guerra consegue ter uma posição que o diferencie dos demais. São raros os casos de longas que consigam sair do lugar-comum, daquela batida narrativa, encadeamento dos fatos, fotografia, entre tantas coisas. Valsa com Bashir o conseguiu de uma forma simples que teve um resultado estonteante, por, primeiro, se colocar como um documentário em primeira pessoa, e, ainda, por ser uma animação. Extremamente psicológico, a opção por não haver sido feito com pessoas de carne e osso, não só é esteticamente belo, como torna possível nas telas toda a viagem do subconsciente do diretor Ari Folman.

Tudo começa quando o cineasta é acordado por um amigo, Boaz Rein, que não consegue dormir por causa de um sonho recorrente há mais de dois anos. O fato nada mais representa para o restante do filme, é apenas o pontapé inicial de uma grande viagem pela mente humana, no caso a mente de Ari Folman. No pesadelo, uma matilha de 26 cães raivosos correm pelas ruas com o objetivo de matar Boaz, e a única coisa que ele sabe é que este sonho remete a um acontecimento do passado comum deles, quando ambos serviram no exército israelense durante a Guerra do Líbano, há mais de 20 anos.

Folman, então, se dá conta de não ter qualquer lembrança daquela época. Naquela noite, porém, ele se lembra de uma cena, em que ele está na praia diante de uma cidade em ruínas. Quando caminha pelas ruas desertas desse local, é surpreendido por dezenas de mulheres gritando em desespero. A imagem faz com que ele passe a investigar, entre amigos e outras pessoas que fizeram parte daquele momento, o que de tão terrível aconteceu ali, que fez com que seu cérebro simplesmente descartasse toda informação sobre aquele período. Ele vai entrevistando várias pessoas, inclusive um analista, para entender melhor sua mente.

Este é um ponto que causa ao mesmo tempo o estranhamento e a curiosidade do espectador. Valsa com Bashir não é um simples filme de guerra, mas um filme sobre as consequências da guerra na cabeça do cineasta. Folman vai aos poucos percebendo o que tentou esconder de si próprio durante toda a vida. Seu povo, sua origem, sua cultura é colocada em cheque por aquele momento marcante que ele, inconscientemente, decidiu esquecer. Ele percebe que de nada adianta eleger um inimigo, considerá-lo um monstro e fazer o mundo acreditar nisso, se quando se olha no espelho, você percebe que entre você e o monstro não há diferenças, que você pode cometer os mesmos erros que ele.

Por ir tão profundamente dentro de si, Ari Folman deixa escapar facilmente entre os traços dos desenhos uma carga forte de emoção que nunca chegaria se optasse por um filme de ficção ou se filmasse as cenas. Em Valsa com Bashir, ele coloca apenas o que ele vê, e assim o espectador vai fazendo suas descobertas e se surpreendendo junto a ele. Mesmo sendo uma animação, não é um filme fácil. O alto contraste e as cores vibrantes embelezam, mas não escondem o sentimento. A cena final, uma das mais chocantes do cinema, sozinha poderia ser julgada de diversas formas ruins, mas todo o encadeamento que é construído faz com que a obra desemboque naquilo de maneira natural, mas não menos chocante, tornando o filme ao mesmo tempo forte e magistral.

Valsa com Bashir (Vals Im Bashir, 2008, Israel)
Direção: Ari Folman
Roteiro: Ari Folman
90 Minutos.