Em seu primeiro longa-metragem, Amanhã Nunca Mais, Tadeu Jungle já deixou clara a sua opção por fazer uma crítica à sociedade brasileira, principalmente a anestesiada classe média representada na tela. Nenhum problema nesta crítica, o que já começa a desqualificar a obra é a forma como ela é colocada. Se o público não percebê-la no filme, por exemplo, fica sabendo desta intenção até mesmo no material de divulgação, que já mostra a tendência da obra de apresentar algo mastigado, que até por isso fica sem sabor para quem tenta consumir.

Na história, Lázaro Ramos é o anestesista Walter, um homem bom que sofre por não conseguir dizer não a ninguém, mesmo que saiba que terá problemas com isto. Em um dos poucos momentos de lazer em família, durante um fim de semana na praia, ele acaba cedendo ao pedido do chefe e volta para o trabalho em São Paulo, provocando o desgosto da mulher (Fernanda Machado) e da filha. Desconfiado de que pode ser trocado por outro a qualquer momento, Walter tenta agradar a esposa, mas não sabe como pode fazer isto.

No aniversário de sua filha, então, ele tem a ideia de ajudar com a preparação da festa, mesmo estando de serviço. Após convencer a mulher de que é capaz de cumprir a simples missão de levar o bolo é que ele percebe que nada será tão fácil. Trabalhando em um hospital público e morando em uma caótica metrópole, Walter passa por diversos contratempos até conseguir enfim chegar em casa com a encomenda. Como ele tem esta dificuldade em negar qualquer pedido, tudo fica ainda mais difícil.

Mesmo que o roteiro tenha seus méritos, mantendo a história coesa apesar de passar por diversas situações diferentes em pequenos intervalos de tempo, sofre por uma certa fraqueza. A fórmula acaba ficando gasta muito rapidamente, tornando a tarefa da busca do bolo quase que mais maçante para o espectador do que para o próprio Walter. Talvez a obra funcionasse melhor como um curta-metragem, se tornando por vezes bastante arrastada. Mesmo as boas atuações não salvam o público de momentos de tédio diante da tela.

O problema maior da fita, no entanto, é a apresentação. Amanhã Nunca Mais começa mal. Em uma exibição na televisão, provavelmente os primeiros minutos sirvam para procurar algo melhor em outra emissora. No cinema, apenas para pensamentos de arrependimento. Artista multimídia, Tadeu não resistiu à tentação de criar uma espécie de clipe, que no início do longa irrita quem está assistindo, em vez de fidelizar o público. Se tudo melhora depois, infelizmente o espectador já está de má vontade com o restante da obra.

A crítica a um Brasil anestesiado, contada sob a ótica de um anestesista, parece um tanto fraca. As explicações são mais visíveis do que a opinião dentro do filme. Fica assim a impressão de que ou não foi possível passar no longa a mensagem que se desejava ou, pior, acreditou-se que o público não seria capaz de compreendê-la. Em geral, então, Amanhã Nunca Mais acaba sendo um filme de poucos atrativos e fácil de ser esquecido.

Assista ao trailer:

Amanhã Nunca Mais (2011, Brasil)
Direção: Tadeu Jungle
Roteiro: Marcelo Muller, Mauricio Arruda e Tadeu Jungle
Elenco: Lázaro Ramos, Fernanda Machado e Maria Luísa Mendonça
74 Minutos

As cores de Almodóvar já não são mais as mesmas. Se em Abraços Partidos o diretor espanhol retomou alguns de seus temas e cenários da juventude, agora com o novo A Pele que Habito o cineasta parece romper de vez com o seu cinema alegre e multi-colorido e cria um ambiente clean apesar de sombrio, principalmente pela grande atuação de Antonio Banderas, que deixa de lado o bom-mocismo para encarnar um personagem que chega a assustar pela sua obsessão e seu ar quase de um psicopata. Se desta vez a história parece bizarra até mesmo para Almodóvar, não se pode pensar em outro diretor para ela.

O Dr. Robert, um importante cirurgião espanhol, vivido por Banderas, sofre há anos com a morte de sua mulher após um acidente de carro, em que ela teve seu corpo carbonizado. O médico, então, fica obcecado com a ideia de criar uma pele artificial que possa suportar até mesmo o fogo. Afastado de seu trabalho tradicional, Robert vive em uma mansão equipada com um moderno laboratório e centro cirúrgico, onde ele pode fazer seus experimentos. Para isso, no entanto, ele precisa de uma cobaia humana, a bela Vera (Elena Anaya), a quem ele mantém presa.

Trancafiada todo o dia no quarto, a moça tem poucas esperanças de retomar sua vida normal longe dali. Os únicos contatos que tem é com o médico e com Marília (Marisa Paredes), a governanta da casa. Quando o filho de Marília visita o local, Vera tem a chance de saber mais sobre Robert, e percebe que talvez o médico esteja se apaixonando por ela, já que ela é muito parecida com a falecida mulher do doutor. Assim, ela começa a acreditar que ainda pode sair daquele quarto. Porém, o que passou na casa nunca irá sair de sua memória, e mudará a sua vida para sempre.

Se o óbvio seria associar A Pele que Habito com O Médico e o Monstro, Pedro Almodóvar mostra sua maestria ao fazer com que o seu doutor seja, ele próprio, o bem e mal encarnados em uma só personalidade. Robert não precisa de qualquer transformação, ele é humano, com o que de bom e ruim isto possa acarretar. Mais do que à história de Jekyll e Hyde, no entanto, o filme remete a OldBoy, premiado longa sul-coreano de 2003 sobre a vingança, tema que tem importante papel também desta vez.

A obsessão interpretada por Banderas não é sem razão. Almodóvar tem sempre uma explicação para os desvios de seus personagens. No decorrer da história, o espectador percebe como a vingança move as ações não apenas do Dr. Robert, mas de muitos dentro da trama. Assim como OldBoy, também, temos um personagem que é sequestrado e mantido refém de uma forma bastante estranha. Vera não está ali por acaso, está pagando por uma ação do passado, algo que nunca imaginou que pudesse causar tamanha dor a alguém, a ponto desta pessoa lhe fazer passar por tudo o que ela acaba passando.

Perturbador em muitos momentos, A Pele que Habito pode ser definido quase como um terror psicológico, mas de um tipo que só poderia ser filmado por Almodóvar. O diretor, aliás, mostra sua genialidade em deixar o espectador imaginar uma coisa, quando o que ele quer dizer é algo bem diferente, como ele faz com o próprio título da obra, ou na escolha do elenco. Se perdeu o colorido de seus primeiros filmes, o espanhol deixa claro que evoluiu ainda mais em seu trabalho, e que seu estilo pode render grandes obras mesmo que sem a extravagância que lhe deu sua fama.

Assista ao trailer:

A Pele que Habito (La piel que habito, 2011, Espanha)
Direção: Pedro Almodóvar
Roteiro: Pedro Almodóvar
Elenco: Antonio Banderas, Elena Anaya e Marisa Paredes
117 Minutos

Pensando nesta delicada questão, o VerdadeAlternativa prepara uma lista de dez filmes para assistir depois de morrer. Não que você não possa vê-los durante a vida. Muitos deles até são recomendados ver antes também, mas o importante é que você leve o DVD em seu caixão para se preparar para o outro lado.

1. A Felicidade Não se Compra, de Frank Capra (1946)

Ok, você morreu, a vida acabou, mas ainda fica com aquela sensação incômoda de que nada valeu a pena. Este clássico do cinema mostra como seria a vida de George Bailey (James Stewart) se ele nunca tivesse nascido. Quem sabe você se inspire, encontre um anjo como o que o personagem encontrou, e não busque saber também como seria a sua. Bem, dependendo do caso pode não ser uma boa ideia.

2. O Céu Pode Esperar, de Warren Beatty (1978)

Está certo que o título é ótimo para quem está a beira da morte, mas nem tanto para quem já passou desta para melhor. Mesmo assim, o filme escrito, dirigido e estrelado por Warren Beatty tem algo a ensinar. E se por acaso a morte se enganou e você foi na hora errada? Pior ainda, se você tem a chance de voltar para terminar sua missão e seu corpo já tiver sido cremado. Bem, nada mal fazer como Beatty e voltar na pele de um milionário, não?

3. Ghost – Do Outro Lado da Vida, de Jerry Zucker (1990)

A questão é se você foi mesmo na hora certa para o beleléu, mas deixou aqui na Terra um grande amor. Foi o que aconteceu com Sam Wheat (Patrick Swayze), que pra piorar vê a sua amada Molly (Demi Moore) sendo seduzida por um ex-melhor amigo. Se isto acontecer também com você, não precisa maldizer a hora da sua morte. Basta procurar a primeira vigarista que finge falar com os mortos. Sempre dá certo! (ao menos neste filme deu)

4. Amor Além da Vida, de Vincent Ward (1998)

Mesmo que você não consiga seguir os conselhos de Swayze, pode fazer o que fez Chris Nielsen (Robin Williams) aqui. Ainda amando muito a sua mulher, mesmo depois de morto, ele não desistiu dela. Quando sabe que Annie (Annabella Sciorra) também está morta, o personagem decide buscar pelo céu e o inferno por sua amada, enfrentando qualquer obstáculo, por mais tenebroso que possa ser. Se ele pode, não deve ser tão difícil.

5. Desconstruindo Harry, de Woody Allen (1997)

Bem, não estou aqui querendo dizer que você não foi uma pessoa correta e idônea durante a sua vida, longe de mim, mas você há de concordar comigo que há a chance de você ir direto para o inferno. Aqui Woody Allen mostra que não há tanto com o que se preocupar, já que o Diabo não é alguém assim tão difícil. Dá até para manter uma discussão filosófica com o Coisa-Ruim se você quiser, principalmente se for por uma mulher.

6. O Sétimo Selo, de Ingmar Bergman (1957)

Nem todo mundo tem o azar de morrer já assim de primeira. Há aqueles que podem negociar com a morte, como no clássico filme sueco. Sim, você deve estar se perguntando se aqui não era para ser uma lista apenas de filmes para assistir depois de morrer. Você está certo, mas se Antonius Block (Max von Sydow) conseguiu jogar um xadrês com a morte para adiar a terrível hora, é sinal de que a temida senhora não é assim tão difícil de se lidar.

7. Bill & Ted – Dois Loucos no Tempo, de Peter Hewitt (1991)

Uma prova de que a morte não é tão terrível está aqui. Quando os roqueiros malucos Bill (Alex Winter) e Ted (Keanu Reeves) morrem após um plano macabro de um vilão do futuro, eles seguem os ensinamentos de Sydow, e ganham uma aliada em sua busca para voltar à vida, a própria morte. Não apenas ela, mas os dois entram em contato também com ELE, o Todo Poderoso. Após assistir a esse filme, você percebe que nem tudo está perdido depois de sua ida.

8. Dylan Dog e as Criaturas da Noite, de Kevin Munroe (2010)

Um assunto que não pode ser ignorado nesta lista é a possibilidade de você se tornar um morto-vivo. Existem muitos filmes que tratam deste tema, mas poucos podem ser úteis, já que a maioria o deixaria deprimido, ao ver que lhe resta apenas vagar pelas ruas e levar um tiro de espingarda. Aqui, porém, há um verdadeiro guia de sobrevivência para zumbis, que lhe mostra como se alimentar, tomar banho e até mesmo o que fazer se, por acaso, partes de seu corpo cairem.

9. Coisas Para se Fazer em Denver Quando Você Está Morto, de Gary Fleder (1995)

Concordo, neste filme não há nenhum grande aprendizado para quem já foi desta para uma melhor, até porque o foco está nos vivos, apesar do título, mas quem há de dizer que não dá para se refletir sobre a eternidade pós-vida em um filme com este nome? Não apenas em Denver, mas em tantos lugares do mundo, afinal não é preciso pagar passagens aéreas nem diárias de hotel quando você não mais existe. Por que não aproveitar?

10. Depois da Vida, de Hirokazu Koreeda (1998)

Caso nenhum desses filmes surtam qualquer resultado prático, a boa pedida é este longa japonês que mostra como é quando alguém morre na cultura oriental. Assistindo, você fica sabendo que todos temos que escolher o melhor momento de nossas vidas para que este seja transformado em um filme, que iremos assistir por toda a eternidade. Não é uma escolha simples, já que vamos conviver para sempre com isto. Bem, aproveite então que ainda está vivo, e crie boas opções para a escolha ser mais fácil depois.

Se em Feliz Natal, Selton Mello optou por uma história mais intimista e hermética ao grande público, em seu novo filme, O Palhaço, que estreia nesta sexta, ele se esforça para se libertar deste mal, buscando um caminho que dialogue melhor com estas mesmas pessoas, de quem é ídolo. O diretor, desta vez, protagoniza o longa, sendo capaz assim de facilitar a identificação dele com o filme. Mais do que isto, o ator parece sofrer do mesmo mal de seu personagem, que vive uma crise existencial e precisa se reencontrar.

Benjamin, vivido por Selton, é um palhaço do circo Esperança, onde se apresenta ao lado de Valdemar (Paulo José), seu pai. Perfeccionista, o jovem toma para si a responsabilidade do local, mas não suporta o peso que ele mesmo tenta carregar. Enquanto o pai goza o que lhe resta da vida, ao lado de uma mulher bem mais nova, o filho não sabe aproveitar os pequenos momentos de felicidade que lhe aparecem.

Deprimido, o palhaço decide, então, abandonar o circo para descobrir qual é a sua verdadeira vocação. Se antes ele precisava se desdobrar para cuidar do bem-estar e das necessidades de cada um dos artistas, desta vez ele tem que aprender a tomar conta de si mesmo, algo que nunca lhe sobrara tempo de fazer. Sem ao menos um documento de identidade, Benjamin sai à procura de um emprego normal e de uma mulher que fique ao seu lado. Mais do que isto, ele faz uma grande busca interior, para saber quem é ele de verdade, o que nunca havia questionado antes.

Apesar de não ser incomum, a ideia de um palhaço com crise de depressão parece interessante para um filme, e causa certa curiosidade saber o que uma figura conhecida como Selton Mello pode fazer com este tema. Mesmo com muitos momentos engraçados e emocionantes ao longo da trama, no entanto, o resultado final é lento e maçante. A história se arrasta e parece não chegar a qualquer lugar que já não tenha estado. O filme, aliás, sofre do mesmo mal de Muita Calma Nesta Hora, que se apoia em esquetes de humor, com participações especiais, enfraquecendo o roteiro.

O Palhaço, no entanto, é superior à comédia de Felipe Joffily. Com atuações esplêndidas, principalmente pelas figuras do veterano Paulo José e da novata Larissa Manoela, que não se intimida em roubar a cena em diversos momentos no papel da pequena Guilhermina, o drama ainda conta com uma bela fotografia e uma inspirada trilha musical, que resgata canções bregas ao mesmo tempo em que apresenta novidades que se encaixam com maestria nas cenas. A escolha dos cenários ainda mostra um Brasil pouco conhecido, do interior de Minas Gerais, tornando o filme ainda mais interessante visualmente.

Uma das cidades filmadas, Passos, é a terra natal do agora diretor Selton Mello, o que deixa ainda mais claro o caráter auto-referente do filme. Se o personagem de Paulo José sabe com clareza que “o rato come queijo, o gato bebe leite e eu sou um palhaço”, tanto Benjamin, quanto o próprio Selton, parecem ainda não ter certeza do seu lugar. Sucesso de bilheteria em obras como A Mulher Invisível, Selton parece tentar negar seu talento para trabalhos mais populares, tentando criar algo mais intimista, mais artístico, sem com isso agradar nem quem prefere um cinema autoral, nem o consumidor do blockbuster. O nome do circo, no entanto, dá um sinal de que nada está perdido para a nova carreira de Mello, e O Palhaço, com seus problemas, já indica que o cineasta está mesmo no caminho certo.

Assista ao trailer:

O Palhaço (2011, Brasil)
Direção: Selton Mello
Roteiro: Selton Mello
Elenco: Selton Mello, Paulo José e Larissa Manoela
90 Minutos

Apenas com um pouco de atenção à ficha técnica da nova versão de Os Três Mosqueteiros já é possível saber o que esperar deste novo filme de Paul W.S. Anderson. A história de D’Artagnan e o trio de herois, escrita originalmente por Alexandre Dumas, já é de alguma forma conhecida pelo grande público, o que diferencia aqui é como foi feita a adaptação para esta obra em terceira dimensão pelo cineasta conhecido por longas como Alien vs. Predador e Resident Evil.

No filme, somos apresentados aos já cansados Athos, Porthos e Aramis, que não tem mais um grande ideal para defender como no tempo em que eram idolatrados como os mosqueteiros do rei da França. Após serem enganados pela Milady de Winter (Milla Jovovich), em uma armação de Buckingham (Orlando Bloom), o trio tem ainda menos motivos para tentar reviver os seus tempos de herois. Preferem então viver uma boa vida, regada principalmente a vinho.

Tudo muda com a chegada do jovem e impetuoso D’Artagnan. Sem medo e com uma grande habilidade para arrumar problemas, o garoto tem como maior objetivo se tornar um novo mosqueteiro, como seu pai já foi um dia. Sua chegada em Paris coincide com um plano do Cardeal Richelieu (Christoph Waltz) para tomar o trono da França. Com o apelo da Rainha, que percebe que corre perigo, os três mosqueteiros agora têm algo que os mova, em uma missão que contam com D’Artagnan a seu lado pela primeira vez.

Pelo diretor e pelo tema, já é possível saber que se trata de um filme com muita ação e efeitos especiais. Ainda a presença de sua mulher, Milla Jovovich, no elenco, garante que o longa terá muitos momentos de bastante sensualidade. Em uma das cenas, em que Milady pratica um de seus maestrais roubos contra a Rainha, é difícil não fazer qualquer comparação com a atuação de Catherine Zeta-Jones em Armadilha. Mais de dez anos depois, Milla repete a cena interpretada pela atriz inglesa com quase o mesmo nível de sensualidade, mas uma dose a mais de adrenalina.

Não apenas a presença de Paul e sua mulher Milla que deixa subentendido o que se esperar do filme. Há também a curiosa constatação de que os vilões são atores muito mais conhecidos dos que os que fazem o quarteto de protagonistas. Além de Jovovich, os herois ainda têm que enfrentar gente como Orlando Bloom, Mads Mikkelsen e Christoph Waltz, que mantém o nível do longa se não alto, em uma boa média, com boas atuações e o carisma necessário para segurar a atenção do espectador. Bloom, ainda, deixa óbvia a opção de Anderson em pegar emprestado um pouco do universo de um outro sucesso das telas, a série Piratas do Caribe.

Claro que uma cópia nunca tem o mesmo sabor do original, mas isto não significa que Os Três Mosqueteiros seja um grande desperdício. O filme entrega ao espectador exatamente o que se propõe, um longa de ação, baseado em uma história clássica, com o poder de sedução de uma bela atriz e a presença de grandes atores já reconhecidos como bons vilões. Porém, não vai além disso. Quem quiser ter uma diversão rasa, encontra um bom entretenimento, e ainda tem a expectativa de, logo mais, poder ver nas telas a sua continuação, o que não deve demorar a chegar.

Assista ao trailer:

Os Três Mosqueteiros (The Three Musketeers, 2011, EUA/Inglaterra/Alemanha/França)
Direção: Paul W.S. Anderson
Roteiro: Alex Litvak e Andrew Davies
Elenco: Milla Jovovich, Orlando Bloom e Christoph Waltz
110 Minutos

A criança é e sempre foi um dos símbolos maiores de esperança no futuro, mas o que dizer daquele menino ou menina de rua, de quem pouco se acredita que exista algum porvir? É exatamente sobre os sonhos e desilusões destes que trata o romance Capitães da Areia, de Jorge Amado. Nas telas dos cinemas, a história chega como uma homenagem ao centenário do autor feita por sua neta, Cecília Amado, que mostra ter um cuidado especial com os personagens do avô, ao mesmo tempo em que deixa claro que não está neste papel apenas por seus laços sanguíneos, mas porque tem capacidade para o posto.

Na Salvador dos anos 50, um grupo de meninos de rua vivia sua própria sociedade sob a liderança do ousado Pedro Bala. Ladrões, malandros, espertos, os garotos aproveitam tudo o que podem da cidade que os excluiu, e sabem que têm que proteger uns aos outros para se manterem como um grupo forte, os temidos Capitães da Areia. Ao lado de Bala, para armar os planos, o bando conta com a sabedoria do Professor, um jovem que tem a convicção de que seria um grande artista, não fosse um bandido. E é com a certeza de que são foras-da-lei, que eles sobrevivem e superam seus problemas.

A vida do grupo, no entanto, fica tumultuada com a presença de Dora, que acaba de perder seus pais vítimas de um surto de varíola. Levada para junto ao grupo pelo Professor, a menina causa desentendimentos, já que nunca se aceitou mulheres entre os capitães. Alvo do desejo de muitos dos garotos, ela também faz despertar o amor tando em Bala como no Professor, e ainda assim tem uma relação quase maternal com outros meninos. Além dos problemas dentro do grupo, os garotos ainda enfrentam a disputa com um outro grupo de menores e o cerco da polícia, que tenta deter os famosos capitães.

Vistos sob a ótica do dia a dia em uma grande metrópole, gente como os personagens do filme são somente bandidos, criminosos que nasceram já com o dom da maldade. Aqui, no entanto, o ponto de vista é outro, é possível viver a rotina deles. Quando Dora chega ao grupo, e é recebida com violência, o Professor faz questão de desfazer a primeira impressão, são todos bons meninos. Eles roubam, enganam, trapaceiam, e até usam da força, mas apenas por questão de sobrevivência. A menina, esperta, logo diz a todos a verdade óbvia, eles são apenas crianças que pensam que são homens.

Se Jorge Amado foi mestre ao fazer cada personagem bastante carismático, apesar de seus defeitos, Cecília soube passar isso ao longa, principalmente na escolha dos desconhecidos atores. No entanto, mesmo que a história do livro seja boa, falta alguma coesão na tela. Com uma narrativa bastante fragmentada, o filme talvez funcionasse melhor dividido em episódios independentes em alguma série. Como a intenção foi o cinema, o resultado perdeu um pouco de seu peso.

Para compensar os problemas no texto, o filme conta com boas atuações, que consegue facilmente propôr um clima misto entra a fantasia e o drama. Se por vezes a fotografia parece um tanto careta para remontar a década de 50, em muitos momentos há cenas que surpreendem pela beleza, como quando os capitães estão em um parque de diversões. A trilha sonora, ainda, realizada por Carlinhos Brown, foge do óbvio mas consegue uma integração envolvente com as imagens.

A beleza e os defeitos do filme, fazem com que o espectador perceba a beleza e os defeitos desses meninos, desses Capitães da Areia. Cecília Amado consegue, ao seu modo, enxergar e apresentar em seu filme aquilo que há de bonito na miséria, já que é bobagem pensar que só se vive daquilo que é bom, mas que não custa nada sonhar. E é aí que o longa-metragem chega com o seu maior mérito, que é mostrar que apesar das adversidades, mesmo essas crianças de rua ainda tem o principal, a esperança.

Assista ao trailer:

Capitães da Areia (2011, Brasil)
Direção: Cecília Amado
Roteiro: Cecília Amado e Hilton Lacerda
Elenco: Jean Luis Amorim, Robério Lima e Ana Graciela

Mesmo se valendo de fórmulas batidas, a ficção científica pode render bons trabalhos como é o caso de Contra o Tempo, filme dirigido pelo pouco conhecido Duncan Jones. Apesar de sofrer com diversos adiamentos em sua data de estreia, o longa que chega às telas nesta sexta-feira (30) tem um fôlego que o diferencia, para melhor, de grande parte da produção hollywoodiana atual, talvez vindo justamente do fato de Duncan, ou do roteirista Ben Ripley, não estarem ainda influenciados pela indústria.

No filme, Jake Gyllenhaal é Colter Stevens, um capitão do exército americano que percebe que algo está estranho em sua vida. Sem saber exatamente o que aconteceu, o oficial acorda em um trem em movimento ao lado de uma mulher que não conhece, e que insiste em chamá-lo de Sean. Stevens não sabe como foi parar neste local, nem mesmo o porquê aquela mulher age como se fosse sua amiga. Poucos minutos depois, porém, uma explosão acontece e todos que estavam naquele trem morrem.

Ao acordar, o capitão descobre que está na verdade dentro de um programa chamado “Código Fonte”, em que ele consegue viver os últimos oito minutos da vida de uma pessoa. Stevens, então, tem que voltar novamente ao trem, na pele de Sean, para tentar descobrir quem foi o responsável pelo atentado, evitando assim um incidente ainda maior do que o do trem. Ao mesmo tempo em que precisa investigar o caso, o oficial também tenta descobrir o que aconteceu em sua vida nos últimos anos, e saber um pouco mais sobre este estranho programa do exército.

Apesar da ideia do filme ser original, não é muito difícil comparar com outras obras, como o clássico Feitiço do Tempo, em que Bill Murray acorda toda manhã no mesmo Dia da Marmota, sabendo exatamente o que vai acontecer, mas sem ter noção de como sair daquela situação. Stevens, aqui, também vive uma espécie de Dia da Marmota eterno, mas em vez de ter que aguentar as 24 horas, ele tem apenas oito estressantes minutos. Porém, tempo o suficiente para se encantar com a beleza de Christina, vivida por Michelle Monaghan.

A diferença de tempo é facilmente explicada por dois fatores. Primeiro, desta vez apesar do interesse amoroso do personagem, não estamos em uma comédia romântica, mas em um filme de ação, que ficaria monótono caso o Capitão Stevens pudesse ter tanto tempo para encontrar o tal terrorista. Além disso, o ritmo de vida dos espectadores de cinema mudou. Se em 1993 a linguagem de videoclipe já fazia parte de outras produções audiovisuais, hoje é raro um trabalho para o grande público que ignore a agilidade dos vídeos musicais.

Fora as semelhanças com o clássico dos anos 90, e os clichês típicos de filmes de ação e ficção científica, Contra o Tempo agrada principalmente por não ter a pretensão de ser um grande filme, apenas um bom entretenimento. Como em um jogo de videogame, em que a morte não é o final, o espectador entra no ritmo do filme e tenta, junto com Stevens descobrir o que está realmente acontecendo, tanto dentro do trem, na busca pelo terrorista, como na vida do capitão fora daquela realidade paralela. Ainda, a química entre Jake e Michelle ajuda a tornar o longa mais agradável, cumprindo o seu papel.

Assista ao trailer:

Contra o Tempo (Source Code, 2011, EUA)
Direção: Duncan Jones
Roteiro: Ben Ripley
Elenco: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan e Vera Farmiga
93 Minutos

A ambição do ser humano pode ir bem longe, muito além de onde vai o caráter, a ética ou a moral, como bem exemplifica o cineasta Alain Fresnot em seu novo longa-metragem Família Vende Tudo, que estreia nesta sexta-feira (30). O filme, uma comédia popularesca e bastante escrachada, consegue transitar entre o humor e a crítica social, sem com isso se tornar pesado ou entediante. Com um elenco liderado por Lima Duarte e Vera Holtz, a obra ainda é destacada pelas atuações, principalmente a de Caco Ciocler, no papel de um cantor popular.

Lindinha, vivida pela bela Marisol Ribeiro, é a jovem filha de um casal de muambeiros endividados (Lima e Vera). Depois de a família perder tudo o que tinha em uma viagem voltando do Paraguai em que foram parados pela polícia, os pais da garota não veem problemas na intenção dela de ir para a cama com o famoso Ivan Cláudio, personagem de Caco Ciocler. Apaixonada pelo cantor, Lindinha quer apenas uma noite de amor com ele, mas seu pais têm outros planos.

Já induzida pela família para engravidar do músico, Lindinha faz de tudo para atingir o objetivo e acaba tendo sucesso. Um problema, no entanto, atravessa o caminho da família. Ivan Cláudio já é casado e tem outros filhos com a ciumenta Jennifer (Luana Piovani), que pode botar tudo a perder. A ambição dos personagens, cada um com o seu objetivo, faz com que se trave uma grande batalha entre eles.

Para criticar este comportamento comum de muitos brasileiros, de vender até mesmo a dignidade de sua filha por fama e dinheiro, Fresnot fez uma comédia que fala a língua do povão. Caco Ciocler, para viver o rei do Xique passou uma temporada ao lado de um cantor que vive bem essa realidade, Latino, que inclusive faz uma participação no filme. As cenas dos shows do cantor das telas são, inclusive, filmadas durante apresentações do próprio Latino. As semelhanças do músico da ficção e o da realidade são muitas, mostrando o cuidado com as atuações.

Família Vende Tudo, no entanto, não está perto de ser uma obra perfeita. Na ambição de dialogar com as massas, o filme fica popularesco demais, irritando muitas vezes o espectador. Uma boa definição do filme, seria com a frase célebre de um dos maiores clássicos do cinema nacional, O Bandido da Luz Vermelha, de Rogério Sganzerla. “Quando a gente não pode fazer nada, a gente avacalha. Avacalha e se esculhamba”, disse o personagem em 1968, que pode ser aplicado aqui tanto na forma que o filme foi feito, quanto na reação dos personagens.

Não tão incomum é a história, apesar de parecer absurda a grande parte do público. Vera Holtz, falando sobre o filme, deixou claro que presenciou inúmeras vezes mães e pais de adolescentes as oferecendo para o prazer de atores famosos, na ingênua ilusão de que pudessem conseguir algo com tal ato. E é expondo este tipo de comportamento em situações que ultrapassam o limite do ridículo, que Fresnot pode fazer com que, após as gargalhadas do público, eles possam refletir se vale mesmo a pena colocar sua ambição acima de qualquer coisa.

Assista ao trailer:

Família Vende Tudo (2011, Brasil)
Direção: Alain Fresnot
Roteiro: Alain Fresnot
Elenco: Marisol Ribeiro, Caco Ciocler e Luana Piovani
90 Minutos

Muito se falou sobre o polêmico A Serbian Film – Terror Sem Limites, mas pouco se reflete à realidade de longa-metragem que pretende ser um retrato metafórico do que é hoje a vida na Sérvia. Ao contrário da maioria dos comentários, não há nenhum recém-nascido sendo estuprado em cena, ainda que existam momentos fortes capaz de causar indigestão em muitos espectadores. Independente disso, não há qualidade no filme que justifique tantos comentários sobre a sua produção, mas nada explica impedir que se possa assistí-lo para chegar a este julgamento.

Considerado o maior ator pornô que a Sérvia já teve, Milos (Srdjan Todorovic) se aposentou para se tornar um simples pai de família. Sem um outro emprego, no entanto, ele percebe que o dinheiro que conseguiu juntar naquela carreira não deve durar muito tempo, e que ele precisa tomar alguma atitude para conseguir manter o nível de vida para ele, a mulher e o filho pequeno. Neste momento, Milos recebe uma proposta irrecusável de Vukmir (Sergej Trifunovic), um misterioso produtor de cinema.

Vukmir apresenta um contrato milionário para o ex-ator pornô para que este protagonize mais uma obra, mais artística e realista do que qualquer outro filme que já participou. Diante do valor que ganhará, que pode lhe dar uma boa vida por longos anos, Milos aceita a proposta. Durante as filmagens, no entanto, quando percebe o teor do filme, ele tenta desistir. Porém, algo acontece e ele acorda apenas três dias depois, sem contato com mais ninguém que conheça. Milos então parte em uma jornada para descobrir mais sobre este filme e saber o que aconteceu neste tempo.

Mesmo como uma metáfora política, A Serbian Film – Terror Sem Limites se mostra raso e ingênuo, tentando a todo momento contextualizar o espectador de uma forma superficial na realidade do país, em vez de apenas deixar isso subentendido. Há em muitos momentos diálogos forçados sobre os motivos que levaram o personagem de Vukmir a escolher a Sérvia como cenário para sua estranha obra-prima. É como se o diretor e roteirista Srdjan Spasojevic estivesse a todo momento gritando para que ninguém esqueça que esta é uma metáfora do país.

Não é difícil notar no filme referências ao sul-coreano OldBoy, vencedor do Grande Prêmio da Crítica de Cannes em 2004. Nos dois filmes temos um anti-herói que busca em sua própria memória o motivo que explique o drama vivido no momento. Em nenhum dos casos, aliás, esta resposta os liberta, apenas aumenta suas angustias. Porém, no filme asiático, o roteiro é muito melhor desenvolvido, sem a necessidade da polêmica pela polêmica. A Serbian Film sequer tenta explicar porque Milos não procura um outro emprego, ou mesmo se nega a aprofundar seus personagens.

Fica óbvio, então, que o filme foi feito com o intuito de chamar a atenção antes mesmo de ser visto, o que conseguiu no mundo todo. Aqui no Brasil, houve um movimento que tentou banir a obra, abrindo espaço para manifestações coléricas contra a censura que podia aparecer ali. Enquanto uns execravam o filme, dando a ele qualidades que não chegam a ter, outros defendiam o direito de expressão, mesmo que o longa pouco tivesse a dizer. Não fossem estas discussões, quase ninguém teria ouvido falar em A Serbian Film. De um modo ou de outro, a figura da Sérvia continua a mesma, já que o vazio da obra sequer consegue representar o país, como tanto bradou o diretor.

Assista ao trailer:

A Serbian Film – Terror sem Limites (Srpski film, 201o, Sérvia)
Direção: Srdjan Spasojevic
Roteiro: Srdjan Spasojevic
Elenco: Srdjan Todorovic, Sergej Trifunovic e Jelena Gavrilovic
104 Minutos

O Brasil nunca teve grande tradição no cinema fantástico, mas esta imagem pode estar mudando com a consolidação do nome de Claudio Torres como um diretor do gênero. Com o lançamento de seu quarto longa-metragem, O Homem do Futuro, o cineasta mostra que não apenas sabe fazer uma grande obra dentro do universo da ficção científica, mas que sabe bem adequar um tema complexo ao público. Não apenas isso, Torres também demonstra uma habilidade de deixar suas obras com uma brasilidade mesmo que com temas recorrentes no cinemão americano.

Em O Homem do Futuro, Wagner Moura é o fracassado cientista Zero, que na falta de uma vida mais interessante, dedica o tempo que tem a desenvolver uma nova forma de energia. Com a certeza de que um dia terá uma descoberta que irá mudar o destino da humanidade, ele pretende não apenas ser reconhecido por isso, mas provar para Helena (Alinne Moraes), o amor de sua vida, que ela estava errada em tê-lo humilhado vinte anos antes, em uma festa da faculdade.

O invento, no entanto, dá errado, e Zero acidentalmente vai parar em 1991, justamente no pior dia de sua vida. Sabendo toda a dor que sofreu por todos estes anos pela rejeição de Helena, ele decide mudar o passado, contando para seu antigo eu não apenas a desgraça que vai se abater sobre a sua vida, mas como será o mundo no futuro, e como se dar bem com todas estas informações. No entanto, o fato de tentar consertar sua vida desencadeia uma série de transtornos que podem piorar ainda mais a sua relação com o seu grande amor.

Se conseguiu conquistar um público considerável com A Mulher Invisível, seu filme anterior, usando este universo fantástico aliado a um senso de humor tipicamente brasileiro, desta vez Torres também traz uma carga alta de romantismo e nostalgia, tendo um resultado ainda melhor. Mesmo com uma atuação pouco natural, o casal de protagonistas, Alinne Moraes e Wagner Moura, emocionam o espectador com a mesma facilidade com que o faz rir. Não distante ficam os coadjuvantes Fernando Ceylão e Maria Luisa Mendonça.

Apesar disso, é de lamentar que o cineasta tenha abandonado a veia mais contestadora de Redentor, seu primeiro longa, e abraçado de vez o cinema de puro entretenimento. Mesmo que o resultado seja bom, superior a grande parte da produção nacional, não rende qualquer tipo de reflexão futura. Com o mesmo tema, a viagem no tempo, o próprio Brasil já produziu o subestimado A Máquina, de João Falcão, também envolto em humor e romance e com um jeito mambembe de filmar, mas com maior poesia e profundidade.

Para ambientar o 1991 de Zero, o filme usa a técnica simples, mas eficiente, da trilha sonora, principalmente com a canção Tempo Perdido, da Legião Urbana, cantada pelos próprios atores. Não apenas no som, mas a direção de arte também opta por alternativas sem qualquer requinte na maior parte das cenas. O resultado acaba se tornando natural e agradável, dando um charme a mais à narrativa. Um dos exemplos é a roupa de astronauta usada por Wagner Moura. Não que ele precisasse dela para a viagem no tempo, mas ele queria estar bem para uma festa à fantasia.

Mesmo que distante das superproduções hollywoodianas de ficção científica, ou de qualquer filme que explora um universo fantástico com um abuso de efeitos especiais, O Homem do Futuro envolve e cativa o espectador. O cinema brasileiro, realizado por Claudio Torres, mostra então que não é preciso gastar milhões de reais para fazer o público acreditar naquilo que se pretende contar. Basta saber criar uma boa história e ter um jeitinho brasileiro para levá-la para as telas, e parece que Claudio não tem dificuldade com nenhum dos dois.

Assista ao trailer:

O Homem do Futuro (2011, Brasil)
Direção: Cláudio Torres
Roteiro: Cláudio Torres
Elenco: Wagner Moura, Alinne Moraes e Gabriel Braga Nunes
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